Dessin de personnage

En tant que dessinateur pro ou occasionnel, vous avez surement déjà essayé de dessiner des personnages d’imagination.

Dessiner un personnage d’imagination n’est déjà pas une mince à faire et quand vient le moment de l’habiller, c’est une couche de difficulté supplémentaire qui vient s’ajouter.

Pourquoi est-ce si difficile de dessiner à la foi des personnages et pire de les habiller ? Le dessin des vêtements au même titre que le dessin de personnage est une question de volume.

Dessiner en volume c’est savoir jouer avec la perspective, en tournant autour des objets en les manipulant en 3D. Manipuler les vêtements en 3D vous évitera d’avoir des dessins plats, mais aussi beaucoup de frustrations.

Avant toute chose et si ce n’est pas déjà fait je vous encourage à commencer par cet article : 5 règles pour bien débuter en perspective.

Au même titre que les proportions, et l’anatomie pour le dessin de personnage, le dessiner des plis demande quelques bases indispensables que nous allons voir ensemble dans ce petit cours.

1 – Les plis et la gravité

La première chose à prendre en considération dans le dessin des vêtements et des tissus, c’est la gravité. Chaque matériau possède une quantité de matière (une masse) et de cette masse on en déduit un poids.

La gravité terrestre fait qu’automatiquement les vêtements vont tomber vers le sol.

Si on positionne un plaide sur le rebord d’un canapé, les parties dans le vide ne vont pas léviter comme par magie, mais elles vont automatiquement tomber vers le sol. Il faut donc se dire que chaque tissu ou drapé possèdent un certain poids qui les fera tomber plus ou moins en fonction de leur rigidité.

Le poids:

Par exemple, un élément en métal rigide supportera son propre poids, mais ici un tissu se pliera aussitôt.

Il faut imaginer comme un poids qui ferait tomber le tissu vers le sol. Sauf qu’en réalité c’est la masse du tissu lui-même qui lui confère ce poids. Maintenant que vous avez compris ce principe, vous imaginez bien que ce poids va induire une tension dans le tissu.

2 -Vêtement et tension

En effet si on accroche un poids au bout du tissu une tension va se créer au niveau de la punaise, mais aussi par rapport au rebord de la table. Donc en plus de la gravité il y aura une tension dans le tissu et des plis vont se créer.

Prenez l’exemple d’une serviette que vous accrochez au mur ou que vous tenez au bout des doigts, le poids du tissu fait qu’elle tombera vers le sol et des lignes de tension vont apparaitre sur la serviette.

Ces lignes de tensions vont apporter des ondulations au bas de la serviette et on aura un point de tension (PT) qui correspond à l’endroit où est accrochée la serviette.

Si maintenant on positionne cette serviette sur une barre, ou un porte-serviette, la tension sera mise sur l’ensemble de la barre.

Pour une nappe qui serait posée sur une table, la surface de la table servira le support et deviendra une surface de tension.

Ensuite, aux quatre coins de la table ainsi que sur les arêtes, des lignes de tension (en rouge) vont se apparaître et crée des ondulations dans la nappe.

Qu’est-ce qu’il faut retenir ici :

a – Les tensions dans le tissu vont souvent se créer sous forme de points de tension (PT)

b – Ce qui retient le tissu de tomber peut-être sous la forme de point d’accroche, ou de surfaces (planes ou courbes…).

Si on retranscrit ces principes pour habiller un personnage, avec l’exemple d’un châle on voit que les épaules ainsi que les trapèzes servent de surface de support et que des lignes de tensions vont se créer à partie de ces endroits-là.

Sous le poids du tissu, le vêtement va tomber sur les épaules et des ondulations vont se créer dans la continuité des surfaces de support.

3 – Compression

Comme son nom l’indique, la compression représente le fait de comprimer le tissu sur lui-même. Il peut est comprimé ponctuellement (volontairement) ou comprimé sur une surface.

Prenez l’exemple d’un rideau qu’on laisserait tomber au sol. La gravité fait que le tissu tombera, et le sol stoppera la chute du tissu.

Sous son propre poids, le tissu va se comprimer sur le sol et créer ainsi des ondulations (de haut en bas).

Maintenant si on prend l’exemple d’un rideau placé sur sa barre qu’on viendrait pousser manuellement à droite de la fenêtre. Il y aura de cette manière une compression volontaire du rideau et le tissu viendra s’onduler (de gauche à droite).

Prenons par exemple une jupe ou une chemise sous un gilet. Dans le premier cas, la ceinture viendra comprimer la jupe autour de la taille et des ondulations verticales vont se former. Dans le second cas, la fermeture du gilet vient comprimer la chemise dans le bas du dos.

C’est la même chose qui se produit dans vous repliez le bras en portant une chemise ou un pull. Vous comprimez le tissu et des ondulations apparaissent.

Aussi, quand vous portez un pantalon, son poids et sa longueur créent sous la gravité des ondulations au niveau des chevilles.

Que faut-il retenir :

1.  La compression peut être volontaire (un mouvement) ou simplement liée à la gravité (flèches bleues)
2. Comprimer un tissu créera automatiquement des ondulations en fonction du sens où la compression est faite.

Il faut comprendre que quand vous habillez des personnages en dessin, tous ces paramètres s’additionnent. Il faut donc se poser les questions suivantes :

Où se trouvent les tensions ?  Quelle surface retient mon tissu ? Est-il comprimé quelque part ?…

4 – tendre un tissu

Finalement, quand vous étendez votre tissu, c’est comme quand vous mettez du linge à sécher. Vous étirez le vêtement puis vous le bloquez avec des pinces à linge.

Cela crée des lignes de tension dans votre vêtement.

Entre un vêtement au repos et un mouvement qui étend le tissu, votre dessin sera différent. Sur le dessin de droite, le vêtement est étiré vers la gauche et il aura aussitôt des lignes de tension crées par un PT en rouge.

Comme il habille un cylindre, à droite il viendra buter contre le volume et en fonction de l’orientation de la tension, des ondulations vont se créer (comme des boudins autour du cylindre).

C’est la même chose qui se produit quand on dessine une veste sur un personnage. Au repos, le bras comprime la veste contre le corps du personnage, mais quand le bras est tendu, une tension se crée à l’arrière de la veste. Cette tension est maintenue par le haut du bras.

Comme pour un cylindre qui se soulève le tissu bute contre le haut du bras et se tend vers le bas. Ainsi, des ondulations se créent et viennent s’enrouler autour du bras.

C’est la même chose qui se crée quand vous portez un pantalon et que vous écartez les jambes.

C’est la fin de ce petit cours sur les bases du dessin des plis.  Le but ici c’est que vous puissiez vous poser les bonnes questions quand vous êtes face au dessin d’un vêtement.

Je vous renvoie vers le travail de Tom Fox : https://www.instagram.com/tomfoxdraws/?hl=fr

Il traite de beaucoup d’aspects concernant le dessin d’anatomie, mais également sur le dessin des vêtements.

J’espère également, que ces principes vous aideront à avoir un regard neuf quand vous serez face à un dessin d’observation avec des personnages habillés.

Le meilleur moyen de progresser rapidement est de focaliser votre apprentissage sur les éléments qui ont du sens.

Et maintenant j’espère que les plis auront un peu plus de sens pour vous.

Merci l’artiste d’avoir pris du temps pour lire ces quelques lignes.

Le dessin du visage n’est pas une mince à faire car il y a beaucoup de paramètre à prendre en compte. Dans cet article je détail pour vous ma méthode pour dessiner un visage d’imagination.

1-Les caractéristiques et les proportions du visage

On connait tous l’homme de Vitruve repris par le célèbre Léonard de Vinci, ou la statue du David réalisé par Michel-Ange qui ont tous deux cherché à représenter la perfection du corps humain à travers l’anatomie. En tout temps, l’homme a toujours recherché les proportions parfaites qui définissent le corps humain.

Ainsi pour le dessin du visage, il existe des rapports d’échelle qui permettent de placer correctement les yeux, le nez, la bouche… Ces rapports de proportion ne correspondent pas à tous les visages, mais ils constituent une base indispensable avant de se lancer dans le dessin d’imagination.

Remarque :  comme je viens de le dire plus haut, les proportions qui vont être données ici sont comme une représentation généraliste du visage parfait de l’homme avec un grand H mais ne représente en aucun cas toutes les variétés possibles dont la nature nous a doté. Chaque visage possède ses formes et ses caractéristiques et constitue une diversité incroyable de morphologie et de typologie différente.
Ainsi, dans vos dessins, ne restez pas figé sur les mesures que je vais vous donner ici et essayez de diversifier au maximum vos dessins en utilisant des références ou en modifiant la forme du visage, des yeux du nez…

Le visage et les proportions :

Les yeux :

La première chose que j’ai tendance à dessiner quand je dois réaliser un visage d’imagination c’est le dessin des yeux.

Et pour cause, même si ce n’est pas vraiment le cas, les yeux semblent placés pratiquement au centre du visage et c’est l’un des premiers éléments qu’on regarde chez quelqu’un.

En vue de face, les yeux peuvent être représentés par une ligne horizontale.

Les deux yeux sont séparés par le nez et possèdent donc un certain éloignement l’un par rapport à l’autre. En dessin d’anatomie on a coutume de matérialiser cette distance à l’aide d’un troisième œil. Ainsi, la distance qui sépare les deux yeux correspondent à la largeur d’un œil.

Les oreilles :

Aussi le positionnement de la hauteur des yeux vient s’aligner horizontalement à la hauteur de la naissance des oreilles.

Le regard marque la hauteur de la naissance des oreilles et le dessous du nez le bas des oreilles. Bien entendu, ces mesures diffèrent d’une personne à l’autre, mais cette information permet de facilement se créer des repères pour dessiner d’imagination.

Le nez :

Pour dessiner le nez, il est important de bien positionner les yeux. Ensuite, en prenant le milieu du visage et en se basant sur la hauteur des pupilles, on peut facilement prendre la largeur du centre du visage jusqu’au bout de l’œil (en bleu sur l’image ci-dessous) afin de reporter la hauteur du nez.

Là encore, la hauteur du nez pourra varier d’une personne à l’autre, mais cette mesure servira de base indispensable pour éviter des disproportions trop importantes dans nos dessins.
La largeur du nez dépendra elle aussi de l’ethnie et des gènes de chaque individu, mais la règle de base consiste à dessiner le nez à la largeur d’un œil. Aussi, les femmes auront tendance à avoir un nez plus fin que les hommes, mais là encore ce n’est pas une règle absolue

La bouche :

Pour positionner la bouche, il faudra dans un premier temps définir la position du menton. Pour se faire, il est important de récupérer la longueur entre le bas du nez et le haut des sourcils (hauteur 1).

Cette hauteur devra ensuite être répétée vers le bas pour placer le menton puis la bouche (hauteur 2).

La bouche se positionnera environ à un tiers de cette longueur n°2 en partant du nez. Le positionnement de la bouche pourra également varier selon les visages que vous dessinez.

Le front :

Maintenant, pour terminer la forme générale du visage on peut une nouvelle fois se baser sur la hauteur nez/sourcil qui répétée une troisième fois donnera la taille du front et la naissance des cheveux.

Les repères 1, 2 et 3 sont très importants à retenir, car ils vous permettront de réussir presque à tous les coups le dessin d’un visage. Cependant, n’oubliez pas que nous ne sommes pas tous égaux vis-à-vis de ces proportions et qu’il faudra jouer avec ces éléments afin de diversifier vos dessins.

Les différences hommes et femmes

Maintenant que vous connaissez les proportions du visage en général on pourrait se demander qu’est-ce qui fait que quand on dessine, le résultat ressemble plus à une femme ou plus à un homme.

Il serait facile de répondre la forme du visage, car c’est vrai et c’est la première chose qui distingue un homme d’une femme. Même si ce n’est pas la seule différence, le visage d’une femme sera bien souvent plus courbe et moins prononcé que celui d’un homme.

Quand on observe le crâne d’un homme, on peut en effet assez facilement noter une mâchoire carrée, des pommettes franches et une arcade sourcilière beaucoup plus prononcée que chez la femme. Chez la femme justement, les pommettes, la mâchoire ainsi que l’arcade sont bien plus douces et arrondies. On voit également que le haut du crâne est bien plus pointu.

Ces différences morphologiques sont plus ou moins prononcées d’une personne à l’autre, mais ce sont des éléments importants à prendre en compte dans vos dessins.

En préparant cet article, je me suis aperçu de différences notables qui permettent le dessin d’un visage d’homme et de femme.

• Premièrement, le positionnement des sourcils créera une différence significative en dessin.

L’espacement entre l’œil et les sourcils sera beaucoup plus important chez une femme que chez l’homme. Cette hauteur varie énormément d’une femme à une autre, mais c’est un point qu’on peut facilement observer et reproduire en dessin.

• On peut également souligner davantage le regard des yeux féminins en accentuant les cils ou en renforçant d’un coup de crayon plus épais le haut de l’œil.

• Comme je le disais plus haut, les femmes auront souvent un nez plus fin qu’un homme de la même ethnie.

• Les lèvres d’un homme auront aussi tendance à être plus fines et moins pulpeuses que chez une femme.

Finalement, ce sont les éléments que j’ai pu constater en préparant cet article. Bien évidemment si vous avez d’autres différences profitables à tous les dessinateurs qui visitent ce site, vous pouvez me dire en commentaire (sous cet article) quelles autres différences vous connaissez.

Vous connaissez à présent les proportions d’un visage, mais également des différences Homme/Femme. Pour pouvoir compléter votre capacité à imaginer et à dessiner des visages, il faut maintenant savoir donner du volume à ces visages.

2-Dessiner des visages en volume

Avant de vous parler des méthodes pour construire des visages en volume, il est essentiel de comprendre qu’en dessin tout ce que vous voulez représenter utilise la perspective. Et le dessin du visage ainsi que l’anatomie en général en font partie.
Pour apprendre un peu plus sur la perspective, c’est par ici que ça se passe :  https://dciner.fr/les-5-regles-pour-bien-dessiner-en-perspective/

Ceci étant dit, je vais vous présenter deux stratégies que j’utilise régulièrement pour imaginer des visages d’imagination.

La méthode Andrew Loomis :

L’une des méthodes et surtout la plus répandue dans le domaine du dessin pour la construction des visages, c’est celle d’Andrew Loomis.

Andrew Loomis est un illustrateur américain qui publia entre 1939 et 1961 une série de livres sur le dessin et plus particulièrement l’anatomie (mains, visage, le corps…). Ces livres et notamment le livre Drawing the Head and Hands   qui nous intéresse ici, influença bon nombre d’artistes et continu d’initier certain d’entre nous au dessin d’anatomie.

La méthode Loomis consiste dans un premier temps à simplifier le visage en deux parties distinctes. Le crâne est simplifié par une sphère parfaite qui est ensuite tranchée des deux côtés.

En effet, quand on observe un crâne en vue de face ou de profil, on remarque assez aisément qu’il peut s’insérer dans une sphère. Vue de face, on remarque que le crâne est aplati de part et d’autre de la tête.

Cette base simplifiée nous permet de jouer avec l’orientation et la perspective. Cela permet de dessiner plus facilement la tête dans les positions souhaitées.

Remarque : notez bien que la ligne horizontale séparant les yeux du front est placée à hauteur de l’arcade sourcilière.

J’ai longtemps fait l’erreur de mettre cette ligne au niveau des yeux sans comprendre ce qui clochait. Faites bien attention de descendre les yeux légèrement sous cette ligne.

Maintenant, pour placer les yeux, le nez, la bouche, le menton et le front, il suffit de reprendre les proportions de la première partie de cet article. La partie 1 correspond à la hauteur entre l’arcade et le nez, la partie 2 du nez au menton et la partie 3 de l’arcade jusqu’à la naissance des cheveux.

Vous pouvez maintenant tourner la sphère dans n’importe quelle position en perspective pour changer la position du visage dans l’espace.

Cette méthode un peu laborieuse au début et nécessite une assez bonne maitrise de la perspective. Mais avec un peu de pratique on arrive à s’en sortir alors soyez patient et pratiquez régulièrement.

Aussi, le défaut majeur de cette méthode « Loomis », c’est qu’elle est assez rigide. Et pour éviter des dessins trop rigides, il faut réussir à s’en détacher et trouver d’autres moyens de fluidifier vos croquis.

La technique de Sinix Design :

L’approche de Sinix design (https://www.youtube.com/user/sinixdesign/videos ) est très intéressante, car elle simplifie le visage en une sorte de demi-rouleau courbe sur lequel on vient ajouter le nez, les yeux et la bouche.

Je trouve cette approche plus intuitive et beaucoup plus fluide. Le but c’est que vous trouviez une technique qui vous plait et qu’ensuite vous l’adaptez à votre manière de dessiner.

Ce qu’il faut comprendre c’est que peu importe la méthode que vous utilisez le but c’est que les proportions soient juste et que votre dessin possède du volume. Avec cette seconde méthode, vous pouvez plus facilement jouer avec la perspective du « demi-rouleau » et ainsi ajouter les éléments du visage.

Attention à bien donner du volume aux éléments du visage tels que le nez, la bouche, les yeux…

L’objectif de ces techniques de simplification est avant tout de vous aider avec la volumétrie du visage. Si votre style de dessin se rapproche plus du manga, vous allez pouvoir adapter ces techniques pour dessiner et imaginer vos visages.

Il n’y a donc pas de limite à votre imagination, mais les bases restent les mêmes. Finalement, utiliser une méthode de simplification ce n’est pas toujours propre à un style, mais plutôt à propre à vos affinités.

3-Dessinez les visages que vous voulez

Visage réaliste ou stylisé :

Maintenant que vous connaissez les bases du dessin d’un visage, il est intéressant de vous demander quel style vous intéresse. Le style de dessin que vous allez utiliser déterminera la manière dont vous allez aborderez vos dessins de personnage.

Un style réaliste essayera plutôt de coller à la réalité avec des proportions plus juste. Un visage stylisé permettra plus d’exagération et de liberté dans les proportions, mais demandera une capacité de synthèse plus importante.

Votre capacité de synthèse ira de pair avec votre maitrise des volumes. Comprendre la volumétrie du nez, de la bouche… c’est savoir où placer ses traits pour que le rendu soit cohérent.
Pour mémoriser les volumes des éléments du visage, vous pouvez vous entrainer à les dessiner séparément. Dessinez les dans toutes les orientations possibles. De cette façon, vous arriverez progressivement à assimiler leurs formes.

Dessin du visage : osez les déformations.

Maintenant pour apporter de la diversité à vos visages, notamment si vous voulez inventer des personnages différents pour une histoire ou une BD… il faudra faire attention à leur morphologie dans vos dessins.

Chaque visage est unique et il existe des formes prédominantes qui peuvent vous aider à dessiner tel visage plutôt qu’un autre. Attention cependant à ne pas tomber involontairement dans la caricature.

Finalement, vous pouvez exagérer et déformer certains éléments comme un nez plus gros, des yeux très petits, des oreilles d’elfe, ou des yeux plutôt cartoon. Osez les modifications et les déformations pour apporter de la variété à vos personnages.

C’est la fin de cet article sur le dessin des visages. Dites-moi en commentaire quelle méthode vous utilisez le plus pour dessiner vos visages et quel style de visage vous avez l’habitude de dessiner ?