Clé n°1 :
-Réaliser un bon croquis pour vous aider et faire une ébauche de vos intentions.
Faites le plus de croquis possible et choisissez le bon. Pour choisir le bon, il faut en premiers lieux, une « line » ou un sketch qui vous inspire.
Quand un dessin vous inspire, vous serez plus motivé à le faire et à le pousser jusqu’au bout.
Prenez celui qui possède selon vous la meilleure composition. Enfin, choisissez le croquis qui corresponde le mieux à l’histoire que vous souhaitez raconter.
Clé n°2 :
-Sans doute la plus importante, c’est la profondeur. Commencez toujours par séparer vos plans, 3 plans au minimum et 5 plans dans l’idéal. Puis ajustez leur valeur pour avoir suffisamment de contraste et pour créer de fluidité entre chacune d’elle.
Clé n°3 :
– Choisissez la direction de la lumière. Rappelez-vous qu’ajouter de l’ombre et de la lumière, c’est apporter du volume à votre image. Ainsi, définissez ces deux éléments sur chaque plan pour apporter du volume à tous les niveaux de votre dessin.
Clé n°4 :
-La dernière étape consiste à gérer localement votre intensité lumineuse, vos valeurs, pour apporter de la matière et du détail à votre image.
Exemple n°2
C’est seulement quand ces quatre conditions sont remplies que vous verrez une grande amélioration dans vos créations. Même si tout le monde préfère réaliser et regarder de jolis dessins en couleur, dites-vous que si ces mêmes clés sont respectées quand vous passez une de ces images en noir et blanc, alors c’est que ce dessin part avec un gros avantage.
Voici l’exemple d’Albert Bierstadt, c’est un artiste peintre que j’affectionne tout particulièrement. Il excelle dans l’art de représenter le paysage surtout avec cette œuvre, Lake Lucerne, ou en plus d’avoir un travail de couleur formidable, on a aussi l’utilisation des 4 clés fondamentales d’un bon dessin en noir et blanc.
A votre tour de jouer 😉
5 commentaires
Hello Greg,
Tout d’abord merci pour ton tutoriel.
Il est très bien expliqué et il correspond exactement à ma demande.
Je suis sur qu’il va aider bon nombre d’entre nous….Il n’y a plus qu’a travailler.
De plus , et je le dis sincèrement, j’aime beaucoup tes dessins et tes compositions.
(Comme ceux également de l’épisode 4 que je trouve excellents)
En tant que débutant, J’ai bien compris (Enfin, je pense) l’importance de la perspective pour la composition des dessins, puis la mise en profondeur et relief par le choix des valeurs.
Pourtant, me concernant, au niveau technique des mises en ombre et lumière, c’est pas encore ça, même si je pense avoir bien compris les principes que tu as expliqué dans « Les secrets du dessin en noir et blanc » et dans ce dernier tuto.
Niveau technique : Ma mise en ombre et en lumière fait souvent des gros pâtés. Du coup, ce n’est pas très subtil et cela ne rend pas..
Niveau Ombre/Lumière : Dans les détails, j’ai beaucoup de mal à faire ressortir les reliefs (comme tu le fais pour le détail des reliefs dans les montagnes ou dans les bâtiments). Souvent cela ne donne pas grand chose.
(je veux aller trop vite ?, les brushes que j’utilise ne sont pas les bonnes ? mauvaise technique, en tout cas c’est sûr)
Si cela n’est pas trop demander, je serais preneur d’un tuto (ou plusieurs si c’est trop long) sur ces sujets plus « techniques » :
– Relief général et dans le détail (mise en ombres et lumières) : Comment les faire apparaître sans faire des gros pâtés et avec quelles brushes
– Et en général : pourquoi pas un sujet sur quelles brushes pour quoi faire (il y’en a beaucoup….à quoi servent elles ?)
Et une prochaine étape pourrait être : La mise en couleur à partir des speed painting en N&B (comment faire le choix de la palette de couleur, les effets de lumières, puis la réalisation).
J’espère ne pas trop abuser
En tout cas, encore merci pour tes excellents tutos et tes superbes dessins.
PS : D’accord avec toi pour Albert Bierstadt. Dans le même style, j’aime bien aussi Alexandre Calame et François Diday
Gilles
Merci beaucoup Gilles.
Pour l’ombre et la lumière, je compte évidemment en parler dans une prochaine vidéo, mais ce que je pourrais te conseiller pour le moment, c’est de penser en « surface ».
Pour limiter les « gros pâtés » n’hésitent pas à utiliser le lasso pour délimiter tes surfaces de lumière ou l’ombre.
-Le lasso polygonal pour de l’architecture ou des éléments très anguleux (manufacturé, modifié par l’Homme)
-Le lasso manuel pour les éléments de natures comme les montagnes, les feuilles, l’eau (état naturel)
Ensuite, utilise la photographie pour les détails. En tant que référence ou directement en tant que texture.
En tout cas, merci pour toutes ces bonnes idées de tuto. C’est noté avec soin dans mon carnet. 😉
Ps : Merci pour Alexandre Calame et François Diday. J’avais déjà vu leurs œuvres, mais ça fait un petit moment déjà.
Hello Greg,
Merci pour tes conseils.
Ca va être les vacances, je devrais avoir plus de temps pour travailler tout ça.
super merci beaucoup c’est super utile et super rare de voir des bon tuto en francais
Au plaisir Sam 😉